第1回 | 練習への疑問を一挙に解決！

A. 初心者の人が最初のきっかけをつかむには適した練習法です！
これは、楽器を持ったばかりの人に勧めている練習方法です。楽器をつなぐと管が長くなるので、音を出すのが大変になる。その代わりに、マウスピースとネックをつけた状態のもので音出しをすると、管が短くて大量の息を使う必要がなく、吹奏感がラクで音に集中できるので効果的です。最初のきっかけをつかむには適した練習法といえるでしょう。
ある程度吹けるようになってからも、マウスピース＋ネックでのロングトーンを続けている人もいますが、できるようになったら楽器をつないだ状態でロングトーンをしたほうが効果的だと思います。
この練習で初心者の方が気をつける点は、あまり力任せに音を出さないということです。楽器をつないでいる時も同じですが、ロングトーンの発音をやわらかくする。また安定した音を出せるように呼吸法にも気をつけること。たっぷり息を使ってロングトーンをすることですね。そして音の終わりも、やはりやわらかくする。そういったことを頭の中でイメージしてから音を出すことがいちばん大事。
言葉を話すときは、大声になったり、乱暴にならないように無意識のうちに調節して会話をしているはずです。それなのに、楽器を持つと、自分の出す音につい無責任になってしまう。歌と違って、楽器の場合はつい、息さえ入れれば楽器が音を出してくれると思って吹いてしまいがちなので、無責任になるんです。そうではなく、言葉を話すようなつもりで、これから出す音をイメージしてから吹く。これが上達につながる秘訣ですよ。

A. 楽器の演奏には直接関係ないかもしれません…。
悪くはないと思いますが、楽器の演奏には直接関係ないかもしれません。健康のためにはいいと思います（笑）。それをやったから音が良くなるというわけではありませんよ。

A. 耳を養うことも大事ですが、楽譜を読むトレーニングも必要です！
耳で音をとらえて演奏するのはとても良いことだと思います。理屈を抜きにして、聴いたままの音程やニュアンスを真似して吹くことはジャズではよくやりますし、クラシックでも幼い子どもの耳を養うという意味で良い方法だと思います。
ただ、中高生には、それとは別に楽譜を読むトレーニングも加えると効果的ですよ。楽譜を見て演奏するのは、アンサンブルでは重要なことですから。
僕が中学の吹奏楽部にいたころは「ファーストディヴィジョン」というバンド教則本を使っていました。スタッカートやテヌート、アクセントのエチュードが、それぞれ数小節の短い練習曲になっていて、他のパートやバンド全体とも一緒に練習できるんです。そういった短い合奏で読譜力を養い、できるようになったらそうしたニュアンスを使った『アメリカンパトロール』などの簡単な曲を合奏するようになっていました。
個人練習では、音階やエチュードを練習してから曲に取り組みますよね。バンドも曲だけを練習するのではなく、エチュードを合奏することで、耳と読譜力、合奏力を養える。アクセントひとつとってもいろいろなやり方があるから、最初は長めのアクセントにして、次は短めでやってみようとか、打ち合わせをしてから演奏すると効果的です。そうした練習が演奏者のボキャブラリーを増やし、実際の曲の演奏に生きてきます。ただ、それは僕の中学の時のことですから、今はもっと良いエチュードが出ていると思います。

A. プロの吹奏楽団の場合は、Aの音で合わせるのが一般的
プロの吹奏楽団の場合は、オーケストラのようにAの音で合わせるのが一般的なんです。ただ、いろいろな調性の楽器がいるので、Aの音だけを合わせてもすべての楽器の音が合うわけではないですよね。だから、チューニングではAの音とハーモニーとして関連するC#やEなどの音もオクターブ上下含めて吹きます。聴きながら吹くことによって、自分の楽器にとっていちばん仲のいい音程に行き着くようにしているんです。
でも、スクールバンドの場合はB♭で合わせますよね。その場合もハーモニーとして関連するDやFなどの音も合わせるのが望ましいですが、わからない人はB♭だけを合わせたほうがいいでしょう。
チューニングの順番ですが、オーケストラでは弦楽器のあとに管楽器を合わせます。東京佼成ウインドオーケストラ（以下、佼成）では、まずはじめに木管楽器だけで合わせて、そのあともう一度オーボエだけがAを出し、それに金管が合わせます。つまり、分けてチューニングしているんですね。これはなぜかと言うと、金管楽器のほうがだんぜん音量がありますから、一緒に吹くと木管楽器は自分の音がよく聞こえないんです。慎重に音を合わせるため、分けてチューニングしているわけです。
スクールバンドでは、テューバなどの低音を合わせたあとに徐々に高音部に移行していくところもありますね。この方法は良いと思います。その理由は、高音部の楽器のほうがピッチが上がりやすいから。もし高音部からチューニングを始めてそれに低音部が合わせると、低音も高めになる。そうすると演奏時に高音部がぶら下がって聞こえるので都合が悪いのです。ですから、低音部できちんと音程が取れたら、その上に高音部が乗っかるような感じで音程を取っていくと、高音部に行けば行くほど低音部に対してよく音が聞こえると思います。木管のあとに金管、あるいは低音のあとに高音楽器というのは、理にかなった方法なんです。
チューニング以外の音については、さっき話したようにチューニングに関連した音を吹くのはいい方法だし、必要だと思います。それ以外の音を出すのはチューニングとは意図が違うので、やらないほうがいいでしょう。チューニングにはそれだけに集中するべきだと思います。

A. 個人がコントロールしやすいかどうかがいちばん大切です！
それはまったく必要ありません。たとえばバンドーレンの3番をみんなが使っているからそれに合わせたとしても、その人がそれでコントロールしやすいかどうかがいちばん大切ですから。3番が重くてコントロールしにくいなら、かえって音程が取れなくなるし、ppのコントロールもできなくなる。個人のコントロールが良ければ、周りとのブレンドもいいはずです。とにかく、全員同じリードに合わせる必要はありません。佼成でも、もちろんバラバラです。リードだけでなく、楽器も違いますからね。
演奏は楽器ではなく、耳がすべてなんです。どんなにいい楽器を使っていても、その人の耳が自分や相手の音を聞けないといい演奏にはつながりませんね。音程もそうです。耳は大切です。

A. たとえば自然に体が動いてしまうような曲でノリノリで吹くのは楽しいと思います。
僕も動いてしまうほうです。たとえば自然に体が動いてしまうような曲で、足でテンポを取ってノリノリで吹いている姿は、見ていて楽しいですよね。気分よくノッて音楽に入っていることが必要かどうかというより、それは自然に出る行為ですから、いいと思います。ただ、美しい叙情的な曲を演奏中に、体を動かしながらテンポや拍子を必死で数えている姿を見ると、面白くないな、と感じますよね。
ノリノリな曲で体が動いてしまうのは、自然な姿でいいことなんじゃないでしょうか。一緒に演奏する人にとっては、その取っているテンポが全然違うからやめてくれ、ということはあるかもしれませんが（笑）。その場合は、足でテンポを取るというより、みんなと呼吸を合わせるために体を動かすように促してみてはどうでしょう。

A. なぜでしょうね。以前聞いた話ですが、共学なのに女子部員しかいない吹奏楽部で、やっと男子のテューバ吹きが入ったけれど、女子ばかりの部活に入ったと言われて同じ男子からいじめられると（笑）。それで結局やめてしまったと聞きました。なかなか難しいけれど、やはり「吹奏楽はかっこいいんだ！」と演奏でアピールするのがいいと思います。楽器や音楽は男がやるもんじゃないと思われないよう、学校の中で活動を発表する場をたくさん持ったほうがいいですね。文化祭などでかっこいいステージを見せて「かっこいい男子プレイヤーを求めています！」とアピールしたらどうでしょう。

A. それは洗ったほうがいいでしょう（笑）。
油汚れで真っ黒になっている状態で楽器を吹くのはよくないと思います。先輩から伝統的に受け継いだクロスだというなら、あえて洗わずに、展示しておくとか（笑）。でも、日常的に使うクロスなら清潔にして使うのが望ましいでしょう。
楽器を拭くとメッキが落ちるといって拭かない人もいるそうですが、サックスは手で触れている部分が多いので、メッキはいずれ磨耗してはげてくるもの。楽器を清潔に保つことは大切ですから、きれいなクロスを使って乾拭きするのがいいと思いますよ。

A. その楽器の専門の勉強をきちんとする。レッスンに通う。自分の力を試す場を広げることが大切です。
日本の場合、クラシカルの分野で演奏家になるには音大に行くのが一般的ですね。でも小さいころから勉強していて、若くして才能が花開いた人たちは音大に行かない方もいる。演奏家になるためには、まずどういったことを勉強して、どういったことをしていけばいいか考えるべきだと思います。
ですから、必ず音大にというわけではないけれど、環境が整ったところで音楽を勉強し、在学中にコンクールを受けたりコンサートを開き、自分の力を試す場を広げることによって演奏家への道が開けてくるでしょう。若いうちは、その楽器の専門の勉強をきちんとする、レッスンに通う。早ければ早いほどいいと思います。