第17回 | アンサンブル力をアップしよう

A.パートでできる基礎練習は、個人的に練習するロングトーンやスケールを使った内容でも、パートの音色、音程、バランスをお互いよく聴き合って、ブレンドするということを目的とするならば効果的だと思います。メトロノームは使わず、音の始めやブレス、音の終わりなどをお互い同じテンポ感で音を聴いたり、合図を頼りに演奏することもアンサンブルのトレーニングのひとつと言えるでしょう。
スケールではアーティキュレーションを決めて、いろんなパターンで演奏してそのニュアンスをそろえたり、曲の中やバンドメソッドにあるハーモニーを使って、響きを理解しながら音程やバランスを合わせる練習ができます。
内容はいろいろなパターンがありますが、はっきりと目的意識があれば簡単なものでも効果がありますので、まずは皆さんのまわりにあるものを使って練習してみましょう。

A. ハーモニーとしてのバランスを文章で説明するのは難しいことですね。
ド─ミ─ソの順でハーモニーが並ぶとは限らず、例えばミ─ソ─ドやソ─ド─ミなど、 転回形になると響きの印象は変わるので、実際に聴きながら心地よい音程やバランスにするからです。
ですので、質問にあるバランス良いハーモニーは、音色という点でお答えしたいと思います。
メロディに対してのハーモニーは、もちろんそれらを聴きながらのバランスとなりますので、メロディが引き立つような音色で背景となることが基本ですが、場合によってはおさまっていくメロディに対して、相反する感じで出るほうが音楽的に良いこともありますので、いつも背景となってサポートすることが良いバランスとは限りません。
どんなハーモニー（響きでも良いです）の進行なのかということも理解して演奏できれば、ハーモニーもメロディとして感じられるようになります。
そうなるとメロディとの絡みが楽しくなってきますよ。

A. パートの割り振りについては、ソプラノが得意であるとか、バリトンが得意であるとか、音楽的に演奏できて、リーダー的存在だからこのパートとかいろいろあると思います。
アルト、テナーはハーモニーでの内声を担当する重要なパートですが、ソプラノとバリトンは、アンサンブルの音色や音楽的な流れを作る上でリードする場面が多いので、技術面に差がある場合や、人間的なキャラクターも関係する場合は、パートの割り振りに関係してくるでしょう。
練習の仕方は、皆が助け合うことが大切です。私がリーダーなのだからすべて合わせなさい、というようなやり方は良いアンサンブルとは思いませんよね？　テンポのこと、音程のことなど、最もいいところに集まれるように繰り返しリハーサルをすること、よく話し合うことです。吹けない人がいるなら、練習に付き合ってあげるなど、メンバー間の友情が最も大切なのです。
これは小さなアンサンブルに限らず、オーケストラのような大きなアンサンブルでも同様です。

A. アンサンブルで最も小さいのは二重奏ですね。この場合、共演者の演奏を聴きながら、演奏することは比較的分かりやすいのですが、三重奏、四重奏と共演者が増えてくると、より注意深く聴くこと、音を出すことを求められます。
オーケストラのような大編成になると、指揮者もいますから、アンテナをたくさん持って、送受信する必要があります。
スコアを見たり個々で作品のことを知っておくことは必要ですが、演奏上の疑問点は、話し合ったり分奏したり、細かなリハーサルをして、音楽的に同じ方向へまとまるように作っていきます。その中には密なアンサンブルの場面と、より自由に、よりソリスティックに解放するような場面も作ることによって、個性が出てきて音楽に楽しさが増します。
上手く合わせるためのコツや秘訣は、「聴くこと」です。それは共演者や自分の音だけではなく、呼吸（空気）を感じることも聴くことに繋がります。音楽は生ものですから毎回変化します。それを予測すること、瞬時に反応すること。
リハーサルはそのためにあると思ってください。